Artiste invisuel, Professeur Assistant, Directeur de la Recherche et Directeur du Centre de Recherche et de Création à l’Académie Libanaise des Beaux-Arts (ALBA, Université de Balamand), il explore et théorise les conditions et les mesures esthétiques, économiques, politiques et sociales d’un art qui s’affranchit de l’idée de l’œuvre, du public et du contexte ; un art post-immatériel : sans objet matériel ou immatériel. Dans un idéal type, l’on est dans une recherche-création d’un art sans art, où le support de la pratique artistique devient le modèle socioéconomique lui-meme.

En 1998, il rencontre Alexandre Gurita à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA). Ensemble, ils expérimentent de nouvelles approches artistiques à la fin des années 1990 et au début des années 2000, qui ont plus tard devenues connues sous le nom d’art invisuel, un genre d’art qui regroupe aujourd’hui un nombre d’artistes et d’institutions partout dans le monde. Quelques projets invisuels expérimentaux : "Pierre Yves Fave Portes Ouvertes", "Autoexposition", "Chacun a de l’art ce que l’art a de lui-même", "Paris Côte Ouest", "Installation d’un radiateur", "Association pour la propriété intellectuelle de l’être sur lui-même".

Ricardo Mbarkho est titulaire d'un doctorat de l'Université Sorbonne Paris Nord ; sa thèse porte sur les mutations des industries culturelles vers les industries créatives, avec un focus particulier sur l'étude approfondie des arts médiatiques. Il est également diplômé de la Faculté des Beaux-Arts et d’Architecture de l’Université Libanaise à Beyrouth, de l’École Supérieure d’Études Cinématographiques à Paris (ESEC), ainsi que de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA) après avoir poursuivi des études en arts des nouveaux médias à la School of Fine Arts de l’Université Carnegie Mellon aux États-Unis.

L’artiste a donné des conférences et menée des ateliers tels à Aix Marseille Université, ANdEA (Strasbourg), ARS Electronica (Linz), ARTos Foundation (Nicosia et Madrid), Ashok Jain Gallery (New York), Biennale de Paris, Ecole nationale d'art de Paris, Ecole nationale supérieure des beaux-art de Paris, EMAF (Osnabrück), IMéRA (Marseille), Institut Supérieur des Beaux-arts de Sousse, Jeu de Paume (Paris), MUCEM (Marseille), Notre Dame University (Louaize), Transmediale (Berlin), UNESCO (Paris), Université d’Alexandrie, Université Libanaise, Université Saint-Joseph (Beyrouth), et World Summit Contributory Conference on ICT & Creativity (Vienne).

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Artiste invisuel et Directeur de la Biennale de Paris, créée en 1959 par André Malraux, ministre de la Culture, et de l'École nationale d'art de Paris (ENDA), première école de recherche en art. Après avoir expérimenté de nombreuses formes d'art et constaté que tout avait été fait et refait, il abandonne totalement la production d'œuvres d'art en 1998, estimant qu'elles entravent sa créativité. Cette même année, il rencontre Ricardo Mbarkho à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA). Ensemble, ils ont expérimenté de nouvelles approches artistiques entre 1998 et 2001, aboutissant plus tard à l'art invisuel.

En 1999, Alexandre Gurita affirme que « l'œuvre d'art est une manifestation résiduelle de l'être, ce qui à notre époque est devenu sous-artistique ». En 1999, il crée l'Association pour la propriété intellectuelle de l’être sur lui-même, avec Ricardo Mbarkho, Pierre-Yves Fave et Stéphane Augé, envisageant l'être humain comme une œuvre d'art en devenir. Cette même année il dépose sa vie comme une œuvre d’art auprès de la société Protecréa, spécialisée dans le dépôt des œuvres d’art. Le 23 juin 1999, il présente son mariage comme projet de diplôme de fin d'études à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA), ce qui bouleverse cette école et déclenche des hostilités de la part des enseignants et des tenants de la bien-pensance artistique. Par la suite, Alexandre Gurita réalise que si l'artiste agit en solitaire, il n'a plus la possibilité de créer une forme d’art singulière ni un impact sur la définition de l’art. Il fallait dorénavant agir à plusieurs et sous couvert d'institution. Pour cette raison l’artiste capte la Biennale de Paris en 2000 pour la transformer dans une institution crique, mise au service de toute pratique affranchie du régime normatif de l’art.

En observant des pratiques qui n'entraient dans aucune catégorie d'art existante, il formule en 2004 un terme sur mesure pour les caractériser : l'« art invisuel ». L'art invisuel décrit un genre d'art à part entière, existant autrement que sous forme d'œuvre d'art, matérielle ou immatérielle. Selon l’historien de l’art Éric Monsinjon, l’art invisuel se définit par ce qu’il n’est pas. Une des spécificités de l’art invisuel est de considérer l’écosystème de la pratique comme faisant partie intégrante de celle-ci. En même temps que l’artiste invisuel élabore sa pratique, il conçoit son modèle économique et stratégique, sa terminologie, ses circuits et modes de diffusion, ses publics, sa dimension multimodale, écologique et collaborative. Sa deuxième spécificité consiste à considérer que les artistes peuvent travailler en intelligence collective dans une logique de co-construction, dans une approche horizontale basée sur la non-compétitivité, similaire aux sports d'équipe ou aux groupes de scientifiques travaillant ensemble sur un même projet.

Dans le champ de l’art invisuel, l’artiste explore des axes tels que la captation institutionnelle, l’institution critique, l'économie transversale, la multimodalité, l’horizontalité, la stratégie de l’eau (faire avec), l’asymétrie (se trouver là où on ne s’y attend pas), ainsi que la critique augmentée (agir à plusieurs). La captation institutionnelle désigne l'acte consistant à capter légalement des institutions afin de les transformer en institutions critiques de changement. Les trois captations majeures de l'artiste : la Biennale de Paris (2000), l’Institut des hautes études en arts plastiques (Iheap) (2012), devenu l'ENDA en 2017, et la Revue de Paris (2020). L’artiste considère le système de l’art comme un matériau de travail. Il estime qu’en dehors de l'art en tant que tel, deux facteurs majeurs sont déterminants sur sa définition même : son économie et son enseignement. L’artiste collabore activement avec d’autres professionnels pour faire valoir une nouvelle vision de l’art.

L’artiste a donné des conférences et menée des ateliers tels à l'Académie Libanaise des Beaux-Arts (Beyrouth), Guggenheim Museum de Bilbao (Bilbao), Yale School of Art (New Haven), Apexart (New York), Columbia School of Art (New York), Queens Museum of Art (New York), School of Visual Art (New York), Grand Palais (Paris), Musée d’art moderne de la Ville de Paris (Paris), Palais de Tokyo (Paris) et Paris 1 Sorbonne (Paris).

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Artiste philosophale, chercheuse. Actuellement, elle poursuit un Master en Recherche Esthétique (Philosophie et Psychanalyse de l’art) à l’Université de Montpellier (France), tout en étant praticienne à l’École nationale d’art de Paris (ENDA). Auparavant, elle a enseigné la danse contemporaine au Conservatoire de Tarbes, avant de se tourner dès 2016 vers les arts visuels (dont le tatouage, et l'illustration). En 2018, elle s'engage pleinement dans les arts plastiques, approfondissant ses recherches et continuant à nourrir une réflexion philosophique. Sa démarche l'avait déjà amenée à entreprendre une licence en philosophie (en 2013) dans le but de fusionner pratique artistique et réflexion philosophique. En 2023, Roxane Vidalon décide de mettre de côté la production d’œuvres d’art pour se consacrer à une étude approfondie de l'art, de la matière et de son abstraction. En mars 2024, elle fonde l’Institut d’Art Philosophique et Invisuel (IAPI), dont le lancement public aura lieu la même année. Son dernier article, L’Œufre au Rose, a été publié dans la Revue de Paris (N°54) en février 2024. Sa plus récente conférence sur l’art invisuel, intitulée Arts Invisuels, s'est tenue en mai 2024 au Café du Pont de Soueich (Haute-Garonne, Occitanie, France). Récemment, un article mentionnant le travail de l’artiste, Roxane Vidalon, l’art invisuel pour repousser les limites, par Stéphane Boularand, a été publié dans La Dépêche en mai 2024.

Gary Bigot développe une démarche artistique en considérant que tout est fait, produit et installé sans aucune intervention de sa part. Il est considéré comme un des premiers artistes invisuels. Il adopte dans sa pratique les résolutions radicales suivantes : pas de production par soi-même, pas de promotion par soi-même, pas de profit pour soi-même, pas de propriété à titre personnel. Depuis 1985, son principe de l’hygrométrie est à considérer comme son œuvre. Son fonctionnement spécifique nous renvoie à chacun de nous, sensibles, productifs, connaissant, communicatifs. Il considère celle-ci comme son autoportrait ou encore le « portrait de chacun ». Cet acte-position libérateur lui a permis de considérer radicalement que toutes ses œuvres sont produites et installées, se produisent et s’installent sans son intervention. Produire davantage était pour lui superflu et artistiquement indigne. L’ouverture créée par cette attitude extrême et définitive se révèle insoupçonnée et incite à la réflexion et à la création. Ce qui se passe après coup ne le concerne plus. Il s’installe comme observateur impliqué de son œuvre terminée mais pas clôturée. Il lâche son concept en liberté ainsi que son attitude, et, si le besoin extérieur se manifeste, il autorise chacun à s’en servir, à réaliser des œuvres, expositions, discours, etc., même une commercialisation à leur profit. Et ceci sans son accord ! L'artiste a donné des conférences notamment à l'École nationale d'art de Paris (ENDA), à l'Université de Belval (Luxembourg), et à La Maison Commune (Bruxelles). Gary Bigot a initié la Biennale de Paris au Luxembourg, qui s'est déroulée du premier octobre 2018 au 30 septembre 2020. Intitulée « L’air que je souffle, tu respireras un jour », elle a consisté en une application grâce à laquelle les usagers pouvaient géolocaliser leur souffle sur la mappemonde en soufflant sur un ordinateur ou un smartphone.

Rose Marie Barrientos, docteur en argumentation, examine la possibilité de l’art comme argument en partant d’une perception de l’art comme une forme de pensée, de discours et de connaissance. Plus spécifiquement, elle s’intéresse aux organisations d’artiste (dites « entreprises critiques »), qui constituent le point focal de sa recherche. L’historienne argumentaliste a formulé une méthodologie basée sur l’argumentation, permettant d’écrire l’histoire de l’art avec des instruments empruntés à cette discipline. Son approche s’appuie sur l’analyse des stratégies d’argumentation mobilisées par l’artiste pour donner du sens à son travail plutôt que sur sa production d’œuvres, qu’elle soit de nature visuelle ou invisuelle. Elle privilégie les éléments argumentatifs et la dynamique de l’argument sur la forme et le contenu qui le véhiculent. Elle est intervenante à l’Ecole nationale d’art de Paris (ENDA), l’école de la Biennale de Paris.

Historien de l’art et philosophe, Éric Monsinjon est un spécialiste des avant-gardes artistiques du XXe siècle et de l’art contemporain expérimental. Ses recherches portent notamment sur des mouvements d'avant-garde français, comme le lettrisme et l’Internationale Situationniste. En tant que professeur, il enseigne l’histoire des arts à l’Académie de la Comédie-Française à Paris, l’École nationale d’art de Paris (ENDA), ainsi que dans diverses écoles d’art en France. Il est également le fondateur de « L’Anti-Esthétique », un blog sur Mediapart dédié à la recherche expérimentale en art pour le grand public. Actuellement, il s’attèle à l’élaboration d’une théorie générale sur la formation et la formalisation de nouveaux arts. Il s’agit, par des actions et des moyens appropriés, de transformer consciemment et méthodiquement certaines activités humaines ou certains savoirs non-artistiques en arts autonomes. Il considère que l’acte de création ne doit pas se limiter à l’échelle d’une œuvre d’art, mais doit également s’étendre à l’échelle d’un art. En 2023, il participe, avec José Manrubia et Alexandre Gurita, à la fondation d'un nouvel art : la Corrida Etica.

Doctorante à l’Université de Paris-Saclay, en humanités digitales, elle a enseigné à Sciences Po l’art et la littérature et à la Sorbonne l’informatique appliquée aux sciences humaines. Elle a écrit le premier ouvrage sur l'art invisuel intitulé Esthétique de l'art invisuel, ouvrage de référence paru en 2021 et lancé au Palais de Tokyo en 2022. Elle est l’initiatrice du premier colloque international consacré à l’art invisuel qui s’est déroulé le 17 juin 2022 à La Sorbonne, intitulé L’art invisuel : doxa et paradoxe.

Paul Ardenne, historien de l'art contemporain, critique et commissaire d'exposition, se consacre à l'exploration de l'art contemporain, avec un intérêt marqué pour les interactions entre l'art, la société et l'environnement. Auteur de nombreux ouvrages influents, il explore des thématiques telles que l'esthétique environnementale, l'art public et la relation entre l'art et l'écologie. Parmi ses publications figurent Art, l’âge contemporain (1997), L’Art dans son moment politique (2000), Un Art contextuel (2002), Extrême – Esthétiques de la limite dépassée (2006), Images-Monde. De l’événement au documentaire (en collaboration avec Régis Durand, 2007), Art, le présent. La création plastique au tournant du 21e siècle (2009), Un Art écologique (2018), et son prochain ouvrage Hors de vue - De l'invisuel et de la minoration physique de l'art prévu pour paraître courant 2024. Paul Ardenne a conçu des nombreuses expositions parmi lesquels Micropolitiques (Magasin, Grenoble, 2000), Expérimenter le réel (Albi-Montpellier, 2001 et 2002) et Working Men (Genève, 2008), La Force de l’art au Grand Palais, à Paris (2006), Pavillon du Luxembourg, 56e Biennale d’art de Venise (2015). Il collabore activement à la Biennale de Paris depuis 2004 et à l’ENDA depuis 2023. Il est le premier théoricien de l’art à avoir écrit sur la Biennale de Paris depuis sa captation par Alexandre Gurita en 2000, avec son texte Expérimenter une biennale, préface du catalogue de la XIVe Biennale de Paris en 2004.

Artiste invisuelle et migrologue, Mariem Memni est la Directrice de l'École européenne pour l'intégration des migrants par l'art (EEIMA), basée à Bruxelles. Elle est titulaire d’un Master de l’ISBAS (Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse, Tunisie) ainsi que d’un DNREA (Diplôme National de Recherche et d’Expérimentation en Art) de l'ENDA (École nationale d’art de Paris) obtenu en 2021. Mariem Memni développe le chata, une pratique invisuelle qu’elle a elle-même inventée, définie comme un « processus de conversion de l’énergie négative vers l’énergie positive qui garantit l’harmonie au sein d’un groupe ». Elle mène également une pratique intitulée lifeformance, une forme de performance à l'échelle de la vie qui considère la vie dans son ensemble comme un processus artistique. Par ailleurs, Mariem Memni a créé une nouvelle discipline, la migrologie, qui considère le migrant comme un artiste potentiel capable de transformer sa vie de migrant en œuvre d’art. L’EEIMA repose sur la conviction que l’art invisuel peut jouer un rôle crucial dans l'intégration et l'émancipation des migrants. Au sein de l’EEIMA, l'artiste a élaboré une « échelle de l’adaptation », une grille permettant de mesurer l’adaptation ou l’inadaptation du migrant à son contexte d’insertion. Le dernier article mentionnant Mariem Memni, intitulé L’artiste invisuel comme citoyen expérimental, par Audrey Poussines, a été publié dans la revue Étapes en mai 2024.

Agent d’art-conseil, critique d’art, expert honoraire près la Cour d’Appel de Paris et membre de l’Association Internationale des Critiques d’Art (AICA), Ghislain Mollet-Viéville est l'un des collaborateurs les plus actifs de la Biennale de Paris et de la Revue de Paris. Pour défendre les pratiques artistiques sortant des cadres traditionnels, il a initié la profession d’agent d’art, visant à gérer l’art dans ses rapports avec la société.
Depuis 1994, son appartement de la rue Beaubourg (occupé entre 1975 et 1992) a été reconstitué à l’identique et est présenté en permanence, avec sa collection d’art minimal et conceptuel, au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Genève (Mamco). Ghislain Mollet-Viéville fait intervenir différentes instances au sein de notre société pour mettre à jour les modalités de production, de diffusion, d’acquisition et d’actualisation d’œuvres dont l’originalité demande des principes inédits de présentation et d’activation. Avec lui, l’objet d’art n’est plus l’objet de l’art ! Dans ses actions, la question du statut de l’art, tant sur le plan matériel qu’intellectuel, est largement prise en compte pour les interprétations des œuvres en fonction d’un temps et d’un lieu donné.

Matriartiste invisuelle, diplômée d'un master de l'ISBAS (Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse, Tunisie) et praticienne-chercheuse à l’ENDA (École nationale d’art de Paris) – session XXIV, 2023-2024. Elle développe l’Esthétique de l’hospitalité, un ensemble de pratiques de l’accueil et de la convivialité. Cette esthétique transcende l’œuvre d’art et jette les bases d'une catégorie à part entière dans l'art invisuel, basée sur l'hospitalité. L’artiste a introduit le terme matriartiste pour mettre en avant les femmes artistes mères dans un univers où le patriarcat domine. Engagée, Yosr Mahmoud explore son identité généalogique, puisant ses sources dans les vertus de son héritage ancestral. Maurice Blanchot affirme dans Sublime parole que « L’hospitalité consiste moins à nourrir l’hôte qu’à lui rendre le goût de la nourriture en le rétablissant au niveau du besoin, dans une vie où l’on peut dire et supporter d’entendre dire : Et maintenant, n’oublions pas de manger ». Sa dernière conférence sur l’Esthétique de l’hospitalité s’est déroulée dans le cadre du festival culturel national en Tunisie (Sousse), JEPTAV 2024 – L’art invisuel : champs d’application et d’implication.

Artiste invisuel urbain, titulaire d’un DNREA de l'ENDA (École nationale d’art de Paris) obtenu en 2021, Président des éditions L’Armée Recrute, membre du Conseil d’Administration de la Fédération de l’Art Urbain et intervenant scolaire. Il est l’initiateur du mouvement Perturbationiste inauguré à Nancy en 2021 et du C.D.R.A.O. (Centre Documentation, Recherche, Application des Offensives) : un lieu permettant de créer, développer et faire la promotion de « la perturbation » et de « l’offensive » comme une action artistique. Le Perturbationisme se constitue comme le premier mouvement d’art invisuel dans l’histoire. La perturbation constitue pour l’artiste un langage artistique. La perturbation est définie comme l’action visant à perturber la réalité d’un espace public ou la perception de ses utilisateurs. Un ensemble de perturbations constitue une « offensive artistique ».

Ayant grandi dans une famille de compositeurs, pianiste classique titulaire d'une Licence de Piano de l'Ecole Normale de Musique de Piano, ainsi que d'un doctorat de 3ème cycle de Paris IV et d’un Ph.D. en Linguistique et Littératures Romanes (Romance Linguistics and Literatures) de UCLA, Loli Tsan est professeur de littérature médiévale à la State University of New York. Elle est l’auteur d’une thèse intitulée Fragmentation et Écriture du Corps au Moyen-Âge, de nombreux articles sur la réception de la globalisation en France, sur la littérature romane du 12ème siècle et d’un ouvrage intitulé L’Art à l'épreuve de la singularité. Loli Tsan a présenté les différents aspects de sa recherche dans de nombreuses conférences dans diverses universités aux États-Unis, en Chine, au Brésil, en Tunisie, et à travers l'Europe en France, en Grèce, en Italie et en Belgique. Sa recherche actuelle s’applique à la Musique au-delà du Son et aux parallèles entre l’art invisuel et la désintégration sonore en musique. En collaboration avec Alexandre Gurita, elle travaille à l'enregistrement d'une série de cours sur la dématérialisation de la musique pour l'Enda Autonome (la version en ligne de l'École nationale d'art de Paris).